Uma programação vibrante para todas as idades

A programação cuidadosamente selecionada para o fim de semana especial do Dia do Circo no Mundo do Circo SP oferece uma imersão completa na magia e no talento circense. Desde acrobacias ousadas até números de comédia e ilusionismo, o público terá a chance de vivenciar a riqueza da arte que se mantém relevante e emocionante. As apresentações buscam resgatar a essência do circo tradicional ao mesmo tempo em que destacam a inovação e a criatividade das companhias contemporâneas, garantindo uma experiência memorável para famílias e entusiastas.

Destaques do sábado: espetáculos e adrenalina

No sábado, 28 de março, a festa começa às 11h com a presença do renomado Circo Spacial, que trará todo o seu carisma e técnica para abrir as celebrações. Além disso, o público será recebido com atividades artísticas interativas, criando um ambiente de festa desde a chegada. Ao longo do dia, a adrenalina tomará conta com três sessões do espetacular “Globo das Motos”, do Circo Moscou, programadas para as 12h, 14h e 17h30. Este número, conhecido por sua ousadia e precisão, promete tirar o fôlego da plateia. Para completar o dia, às 16h30, os aclamados Irmãos Figura apresentarão seu espetáculo “Proezas e Peripécias”, combinando humor, malabarismo e interações que garantem boas risadas e admiração.

Domingo de magia e emoção no picadeiro

A magia circense continua no domingo, 29 de março, com uma nova rodada de atrações imperdíveis. O dia será inaugurado às 11h com as apresentações do icônico Circo Stankowich, uma das mais tradicionais famílias circenses do Brasil, conhecida por seus números clássicos e grandiosidade. O “Globo das Motos”, do Circo Moscou, retornará para mais exibições ao longo do dia, oferecendo uma nova chance para quem perdeu ou deseja reviver a emoção. O encerramento das principais atrações ficará por conta das Rainhas do Radiador, que prometem um espetáculo envolvente e divertido intitulado “Vale Tudo Por Um Cinturão”, marcado para às 16h30. Essa programação diversificada garante que o fim de semana seja um verdadeiro tributo à arte do picadeiro.

O legado cultural do circo: patrimônio e inovação

A celebração do Dia do Circo vai além do entretenimento, servindo como um poderoso lembrete da profunda importância cultural e social que o circo detém. Essa forma de arte, que transcende barreiras de idade e idioma, é um pilar da memória afetiva e da identidade cultural brasileira, especialmente em São Paulo, que possui uma rica história ligada ao picadeiro. A iniciativa de oferecer uma programação gratuita e de alta qualidade reafirma o compromisso com a democratização do acesso à cultura e a valorização de artistas que dedicam suas vidas a essa paixão.

Reconhecimento e a voz da secretaria

A relevância do circo foi formalmente reconhecida em 2023, quando o Condephaat (Conselho de Defesa do Patrimônio Histórico, Arqueológico, Artístico e Turístico do Estado de São Paulo) concedeu às culturas circenses o título de Patrimônio Imaterial. Esse reconhecimento oficial consolida o papel fundamental da arte circense na formação cultural paulista e nacional, garantindo sua proteção e promoção para as futuras gerações. Marilia Marton, secretária da Cultura, Economia e Indústria Criativas do Estado de São Paulo, enfatizou a importância dessas celebrações: “A arte circense atravessa gerações e mantém uma relação direta com o público, de forma acessível e potente. Celebrar o Dia do Circo com uma programação gratuita é uma forma de valorizar esses artistas e garantir que essa tradição siga viva”. Suas palavras ressaltam a visão estratégica por trás do evento, que busca não só entreter, mas também educar e perpetuar um valioso legado.

O mundo do circo SP: um polo de cultura e ludicidade

O Mundo do Circo SP, localizado no Parque da Juventude, é o coração dessa celebração e um equipamento cultural vital para o estado. Gerido pela Organização Social Amigos da Arte em parceria com a Secretaria da Cultura, Economia e Indústria Criativas, o espaço foi idealizado para valorizar a experiência lúdica e afetiva do universo circense. Com uma área de mais de 10 mil m², o local é dividido em três grandes lonas – a Grande Lona, a Lona Multiuso e a Lona Exposição – que permitem uma programação variada e abrangente. O Mundo do Circo SP oferece espetáculos com artistas nacionais e internacionais, performances de rua, exposições e experiências interativas, consolidando-se como um polo de irradiação da cultura circense para todos os públicos de São Paulo e visitantes.

Celebrando a arte que encanta gerações

A celebração do Dia do Circo no Mundo do Circo SP é mais do que um evento; é uma afirmação da vitalidade da arte circense e do seu lugar insubstituível no coração da cultura paulista. Ao reunir trupes de renome e oferecer acesso gratuito a espetáculos de alta qualidade, o estado de São Paulo demonstra seu compromisso em preservar e promover um patrimônio imaterial que continua a encantar e inspirar. As iniciativas como esta garantem que a magia do picadeiro continue a ser transmitida, formando novas plateias e incentivando a emergência de novos talentos que manterão viva a chama do circo por muitas e muitas gerações. A arte do circo, com sua capacidade única de emocionar e surpreender, permanece um farol de criatividade e resiliência cultural.

Perguntas frequentes

Qual a data e horário das celebrações do Dia do Circo no Mundo do Circo SP?
As celebrações ocorrem nos dias 28 e 29 de março, a partir das 11h em ambos os dias.

Onde está localizado O Mundo do Circo SP?
O espaço fica no Parque da Juventude, Avenida Cruzeiro do Sul, 2630 – Carandiru, São Paulo – SP.

A entrada para os espetáculos é gratuita?
Sim, todas as atrações e a entrada para o evento são gratuitas.

Qual a classificação etária para o evento?
A classificação é livre, permitindo que pessoas de todas as idades possam aproveitar a programação.

Não perca a chance de vivenciar a magia e a alegria do circo neste fim de semana especial. Traga sua família e amigos para O Mundo do Circo SP e celebre a arte que inspira e diverte há séculos!

Fonte: https://www.agenciasp.sp.gov.br

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A exposição é assinada pelo terapeuta Alisson Veloso, em parceria com a equipe de arteterapeutas e musicoterapeutas da Apae, e inclui diversas técnicas, como pintura com pincel e com as mãos, modelagem com biscuit, argila e massa natural, colagem, escultura com materiais recicláveis, texturização com elementos naturais, montagem coletiva de painéis e criação com tecidos e fibras. Cada obra expressa emoções genuínas, convidando o público a refletir sobre o olhar interior e a conexão com o meio ambiente.

Durante uma sessão da Câmara, que aconteceu nesta semana, houve entrega simbólica de um quadro aos vereadores, marcada por uma apresentação sobre inclusão e o papel da Apae na cidade. O presidente da instituição, Fagner Gouveia, destacou que a iniciativa é apenas o início de um projeto de maior alcance: a Apae pretende expandir a presença de suas ações em equipamentos públicos, como o Ganha Tempo e outros pontos da cidade, para que a comunidade conheça de perto o desenvolvimento de crianças e jovens atendidos, fazendo com que o trabalho da instituição “eco[e]” além dos limites físicos da sede.

Saiba mais

Para a APAE Barueri, fundada em 1996, a arte é uma ferramenta de autonomia, autoestima e inclusão, estimulando também o desenvolvimento cognitivo, cultural e social. A instituição, que integra a rede nacional de Apaes, atua na prevenção de deficiências, aplicação de tecnologias assistivas, garantia de direitos e promoção da inclusão social de pessoas com deficiência, contando com parcerias com a Secretaria da Saúde e a Secretaria de Assistência e Desenvolvimento Social (Sads) de Barueri.

Sobre a exposição

A exposição “Ver de Dentro” é mais do que um conjunto de obras: é uma experiência sensorial que revela a essência da natureza e da alma humana, mostrando que criar é também sentir e florescer, e que a arte é caminho de expressão e transformação para todos.

A Câmara Municipal de Barueri fica na Alameda Wagih Salles Nemer, 200, no Centro da cidade.

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Renovando o legado modernista para a era digital

A curadoria de Paola Montenegro nas redes sociais

Desde 2023, Paola Montenegro, aos 30 anos e frequentemente comparada fisicamente à sua tia-bisavó, assumiu a gestão da marca Tarsila S/A com uma missão clara: reposicionar e atualizar a forma como a obra de Tarsila do Amaral é percebida. Em vez de se limitar aos espaços tradicionais, a internet se tornou uma ferramenta essencial para a circulação e a presença da obra no cotidiano contemporâneo. Através de vídeos cativantes e informativos, Paola mergulha na vida e na mente de Tarsila, abordando temas como feminismo, história e as curiosidades por trás de suas criações mais emblemáticas. Um exemplo notável é a história da icônica obra “Abaporu”, pintada em 1928 como presente para Oswald de Andrade, e o processo de escolha de seu nome.

Essa estratégia se alinha perfeitamente com o espírito inovador de Tarsila, que na década de 1920, ao lado de Oswald de Andrade, lançou o “Manifesto Antropofágico”. Este movimento propunha que a cultura brasileira deveria “devorar” as influências estrangeiras, reinterpretá-las e, assim, criar uma arte original que valorizasse a identidade nacional e suas raízes profundas. A digitalização da arte, liderada por Paola, é vista por especialistas como um passo crucial na “midiatização da arte”. Victor Corte Real, diretor da Faculdade de Artes Visuais da Pontifícia Universidade Católica (PUC) de Campinas, destaca o aspecto positivo da “deselitização” que o ambiente digital proporciona. Para ele, mais pessoas podem usufruir e ser sensibilizadas pela arte, expandindo seu senso estético e crítico.

A essência caipira e a democratização da arte

As raízes de Tarsila e o alcance global

Tarsila do Amaral, nascida em 1886 no interior de São Paulo, em Capivari, expressava em suas obras uma profunda conexão com suas origens. Paradoxalmente, foi na Europa que a artista redescobriu o Brasil, cultivando uma identidade cada vez mais brasileira e incorporando em sua arte o que ela carinhosamente chamava de “cores caipiras”. As paisagens rurais, as cenas de fazenda e os desenhos de pessoas no cotidiano do campo são testemunhos desse afeto genuíno. Para Paola Montenegro, esses trabalhos revelam um carinho profundo pelo interior paulista, não como mero folclore, mas como memória, identidade e uma fonte inesgotável de inspiração em toda a trajetória de Tarsila, orgulhosamente apelidada por sua herdeira de “nossa caipirinha”.

A democratização da arte por meio da tecnologia é um pilar da gestão de Paola. Ela vê as redes sociais como um ambiente primordial para dialogar com o público jovem, que muitas vezes ainda não tem o museu como primeiro ponto de contato com a arte visual brasileira. O ambiente digital permite que o legado de Tarsila do Amaral alcance distâncias geográficas, econômicas e simbólicas, tornando a cultura mais acessível. Embora as redes não substituam a experiência imersiva de uma visita a museus e galerias, elas atuam como uma ponte valiosa, contextualizando a obra e criando uma continuidade entre diferentes gerações. Além da presença digital, a Tarsila S/A expandiu seus licenciamentos desde 2022, levando a imagem e as obras de Tarsila a diversos produtos – joias, lenços, papelaria, tapetes, vinhos, quebra-cabeças, bolsas e camisetas – tornando-a presente no dia a dia dos brasileiros e fortalecendo a conexão com novos públicos. A missão de Paola é garantir que cada uso da imagem de Tarsila seja coerente com sua história, seus valores e sua inestimável importância cultural.

Disputas e o futuro do patrimônio

O embate judicial pelo legado de Tarsila

Por trás da estratégia bem-sucedida da Tarsila S/A, uma complexa disputa judicial se desenrola entre os mais de 50 herdeiros de Tarsila do Amaral pelos direitos patrimoniais e os valores gerados pela exploração do legado da artista. A árvore genealógica de Tarsila é intrincada: ela teve seis irmãos, uma filha e uma neta. Como sua filha e neta faleceram antes dela, os direitos patrimoniais foram repassados aos seus irmãos, e sucessivamente aos seus descendentes.

Anteriormente, a gestão da empresa que administrava a marca Tarsila do Amaral estava a cargo de sua sobrinha-neta, homônima à tia-avó, conhecida como “Tarsilinha”. Ela cuidou dos direitos e da exploração das obras até 2022, quando foi afastada em meio a questionamentos dos herdeiros sobre a validade de contratos e acordos comerciais supostamente firmados fora da estrutura oficial da empresa. “Tarsilinha” nega as acusações. A atual gestão, sob a liderança de Paola Montenegro, afirma que, desde que assumiu, tem trabalhado para modernizar os processos e a forma de administração do legado, mas não comenta detalhes sobre a disputa judicial. Segundo Paola, “questões relacionadas à gestão anterior, incluindo eventuais contratos ou divergências financeiras, estão sendo tratadas na esfera judicial competente e não dizem respeito às decisões operacionais da minha gestão.”

Por outro lado, “Tarsilinha” e seu irmão argumentam que, à época da morte de Tarsila, o conceito de direito de imagem não era formalmente reconhecido, o que levou à criação de um acordo informal de repartição de valores, baseado na confiança mútua entre os herdeiros. Este modelo, afirmam, deixou de existir após a saída de “Tarsilinha” da empresa que fazia a gestão no passado. Eles alegam que não existe um instrumento jurídico que transfira à atual empresa a titularidade ou a exclusividade do direito de imagem e que, apesar disso, a Tarsila S/A continua a atuar como se tivesse plena legitimidade, inserindo cláusulas de exclusividade em contratos, mesmo sem deter a maioria entre os titulares do direito. Em consequência, não recebem qualquer valor há quase quatro anos. A complexidade do caso é acentuada pela projeção de que o patrimônio artístico de Tarsila do Amaral entrará em domínio público após o ano de 2043.

Perguntas frequentes sobre Tarsila do Amaral e seu legado

Quem é Paola Montenegro e qual seu papel no legado de Tarsila?
Paola Montenegro é a sobrinha-bisneta de Tarsila do Amaral e, desde 2023, é a gestora da marca Tarsila S/A. Ela utiliza plataformas digitais como Instagram e TikTok para disseminar o conhecimento sobre a vida e obra da artista, conectando novas gerações ao seu legado modernista.

O que foi o “Manifesto Antropofágico”?
O “Manifesto Antropofágico” foi um movimento cultural brasileiro, lançado por Tarsila do Amaral e Oswald de Andrade na década de 1920. Ele defendia que a cultura nacional deveria “devorar” as influências estrangeiras, digeri-las e recriá-las de forma original, valorizando a identidade e as raízes brasileiras através de uma arte crítica e singular.

Qual é a disputa judicial envolvendo os herdeiros de Tarsila do Amaral?
A disputa envolve mais de 50 herdeiros pelos direitos patrimoniais e valores gerados pela exploração do legado de Tarsila. A controvérsia se concentra na validade e exclusividade de contratos de licenciamento, especialmente após a mudança na gestão da empresa que administra a marca, com acusações sobre acordos informais e a falta de um instrumento jurídico claro para a titularidade dos direitos de imagem.

Quando a obra de Tarsila do Amaral entrará em domínio público?
O patrimônio artístico de Tarsila do Amaral está previsto para entrar em domínio público após o ano de 2043, setenta anos após seu falecimento em 1973.

Descubra mais sobre a vanguarda e a arte que moldaram o Brasil ao explorar as plataformas digitais da Tarsila S/A e revisitar as exposições dedicadas à artista em todo o mundo.

Fonte: https://g1.globo.com

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A imersão nos biomas e a gênese da arte

A exposição “Mata Viva” não é apenas uma mostra de arte; é um projeto conceitual que busca explorar a profunda interligação entre a cultura e o ambiente natural brasileiro. O curador Jair de Souza, um dos idealizadores da mostra, explica que a ideia central do projeto partiu de uma indagação fundamental: “Onde nascem as coisas?”. A resposta, para ele, reside nos biomas, nos ecossistemas que moldam não apenas a vida, mas também a expressão artística do país. Segundo Souza, a arte popular brasileira tem suas raízes fincadas na terra, utilizando os materiais brutos que dela brotam como sua principal matéria-prima.

A filosofia por trás da curadoria

“A arte popular brasileira, ela nasce da terra. Ela é feita com todo o material que vem da terra, a pedra, a madeira, a argila, a palha, a semente”, afirma o curador, enfatizando a autenticidade e a organicidade das obras. O objetivo principal da exposição, portanto, é duplo: trazer à tona a inegável potência da nossa arte e, simultaneamente, apresentar os próprios biomas que inspiram e fornecem os recursos para essa criação. As 260 peças cuidadosamente selecionadas representam essa simbiose, cada uma contando a história de um pedaço do Brasil e do artesão que a moldou. Da exuberância da Amazônia à biodiversidade da Mata Atlântica, passando pela vastidão do Pantanal, a riqueza do Cerrado, a resiliência da Caatinga e a planície do Pampa, a exposição é um espelho multifacetado das diversas paisagens e culturas que compõem o território nacional. A “Mata Viva” não só celebra a beleza da criação, mas também funciona como um potente lembrete da responsabilidade coletiva na conservação desses preciosos ambientes.

Destaques artísticos e a cenografia surpreendente

A seleção de artistas presentes em “Mata Viva” é um testemunho da diversidade e do talento do artesanato brasileiro. Nomes como Conceição dos Bugres, do Mato Grosso do Sul, e Antônio Julião, de Minas Gerais, são apenas alguns exemplos dos talentos que enriquecem a mostra com suas perspectivas únicas e suas técnicas apuradas.

A força da expressão artística e o toque carnavalesco

Conceição dos Bugres é reconhecida por suas pequenas esculturas que incorporam traços indígenas, carregadas de uma força expressiva intensa e uma narrativa cultural profunda. Suas obras, muitas vezes em madeira, capturam a essência de um povo e a conexão com suas raízes. Já Antônio Julião, com sua origem mineira, apresenta peças que transcendem a mera representação, traduzindo uma crítica social e ambiental aguçada. Suas criações provocam reflexão sobre as questões contemporâneas, utilizando a arte como um veículo para o diálogo e a conscientização. A curadoria da “Mata Viva” não se limitou à escolha das obras, mas se estendeu à criação de um ambiente que potencializa a experiência do visitante. Os trabalhos são expostos em cenários meticulosamente elaborados para recriar a atmosfera dos biomas, transformando o espaço do CRAB em uma verdadeira floresta de sensações.

Emoção e potência brasileira

O curador Jair de Souza revela os bastidores dessa montagem grandiosa, que contou com o apoio de uma equipe especializada em espetáculos: “Para construir esses ambientes nós não usamos nenhuma imagem, fotografia impressa, plotter, não em adesivos, tudo feito à mão.” Esse nível de detalhe e dedicação resultou em um trabalho manual gigantesco de pintura, que se estende até os pisos por onde os visitantes caminham, todos pintados à mão para simular diferentes texturas e paisagens. Além disso, mais de 150 árvores foram criadas artesanalmente, contribuindo para a imersão total. Toda essa complexa cenografia foi executada por uma equipe comandada por Leandro Assis, um renomado artista das escolas de samba cariocas. Pintores, escultores e aderecistas que normalmente trabalham nos desfiles do Carnaval do Rio de Janeiro empregaram seu talento para dar vida aos biomas dentro do CRAB. Essa colaboração não apenas eleva o padrão estético da exposição, mas também infunde o espaço com a energia e a criatividade características da cultura brasileira. A reação do público tem sido um dos pontos altos da exposição. O curador observa que a intensidade da mostra provoca emoções profundas: “Tem pessoas que chegam até a chorar lá dentro da exposição. Todas saem encantadas com a exposição, uma exposição imersiva, intensa, sem nenhum pingo de tecnologia.” Essa ausência de recursos digitais ou interativos avançados ressalta a pureza da experiência, focada na arte, na natureza e na emoção humana. A resposta dos visitantes é de uma vibração genuína com a “potência do Brasil”, um reconhecimento da criatividade nacional e de um “Brasil que olha para si mesmo”, valorizando suas raízes e sua identidade.

Informações para visitantes

A exposição “Mata Viva” é um convite irrecusável para um passeio cultural e ambiental, especialmente durante o período de férias, oferecendo uma opção de lazer enriquecedora para todas as idades. Além da inquestionável qualidade das obras e da experiência imersiva, o local de exibição por si só já é um grande atrativo.

O Centro Sebrae de Referência do Artesanato Brasileiro (CRAB) está situado em uma área de grande valor histórico no coração do Rio de Janeiro, na Praça Tiradentes. Cercado por prédios históricos e com uma atmosfera cultural vibrante, o local proporciona um cenário perfeito para uma exposição que celebra a tradição e a identidade brasileira. A facilidade de acesso e o ambiente charmoso do centro da capital fluminense contribuem para tornar a visita ainda mais agradável.

Os interessados em explorar a “Mata Viva” têm a oportunidade de visitar a mostra até o dia 31 de março. O CRAB funciona de terça-feira a sábado, com horários que permitem tanto visitas diurnas quanto no final da tarde, proporcionando flexibilidade aos visitantes. Um dos maiores atrativos para o público é, sem dúvida, a entrada franca. Essa política visa democratizar o acesso à cultura e à arte, permitindo que um número maior de pessoas possa desfrutar da riqueza da exposição sem barreiras financeiras. A combinação de um conteúdo relevante, uma experiência imersiva, um local histórico e o acesso gratuito faz da “Mata Viva” uma parada obrigatória no roteiro cultural carioca, um verdadeiro presente para os olhos e para a alma que reforça a beleza e a urgência da conservação dos nossos biomas.

Perguntas frequentes (FAQ)

Q1: Qual o título da exposição e onde ela está em cartaz?
A exposição se chama “Mata Viva” e está em cartaz no Centro Sebrae de Referência do Artesanato Brasileiro (CRAB), localizado na Praça Tiradentes, centro do Rio de Janeiro.

Q2: Até quando a exposição “Mata Viva” pode ser visitada?
A mostra estará aberta ao público até o dia 31 de março.

Q3: A entrada para a exposição tem custo?
Não, a entrada para a exposição “Mata Viva” é totalmente franca, permitindo acesso gratuito a todos os visitantes.

Q4: Quais os dias e horários de funcionamento do CRAB para a exposição?
O Centro Sebrae de Referência do Artesanato Brasileiro funciona de terça-feira a sábado para visitação da exposição “Mata Viva”. Os horários específicos podem ser consultados diretamente no site ou nas redes sociais do CRAB.

Q5: Quais tipos de materiais são utilizados nas peças expostas?
As peças artesanais são criadas com materiais diversos dos biomas brasileiros, como pedra, madeira, argila, palha e sementes, representando a autenticidade e a conexão com a natureza.

Conclusão

A exposição “Mata Viva” transcende o conceito de uma simples mostra de arte, consolidando-se como um manifesto cultural e ambiental no coração do Rio de Janeiro. Ao unir a profundidade da arte popular com a exuberância dos biomas brasileiros, a curadoria conseguiu criar uma experiência imersiva e profundamente emocionante. As 260 peças, fruto do talento de artesãos que transformam elementos da terra em obras de arte, não apenas encantam, mas também provocam uma reflexão essencial sobre a urgência da conservação ambiental e a riqueza da identidade nacional. A cenografia elaborada, que conta com a expertise de artistas do Carnaval carioca, eleva a visita a um patamar sensorial único, onde a ausência de tecnologia amplifica a conexão humana com a criatividade e a natureza. A entrada franca e a localização privilegiada no CRAB, um ícone histórico, apenas reforçam o convite para que todos descubram a “Mata Viva” e se deixem tocar pela potência criativa e ambiental do Brasil.

Não perca a chance de vivenciar essa jornada única. Planeje sua visita à exposição “Mata Viva” no CRAB antes de 31 de março e descubra a beleza e a força da arte e da natureza brasileiras!

Fonte: https://agenciabrasil.ebc.com.br

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A releitura de um ícone da arte conceitual

O legado provocador de Marcel Duchamp
Marcel Duchamp (1887-1968), artista franco-americano, é amplamente reconhecido como um pioneiro da vanguarda do século passado e um precursor fundamental da arte conceitual. Sua prática artística foi revolucionária ao questionar os próprios fundamentos do “fazer artístico”. Duchamp introduziu o conceito de “ready-made”, transformando objetos cotidianos – como pás de neve, secadores de garrafas e até mesmo um mictório – em obras de arte, simplesmente ao apresentá-los como tal. Seu principal objetivo era desestabilizar as convenções sobre o que constitui arte e qual o verdadeiro papel do artista em sua produção, desafiando a noção de que a beleza estética ou a habilidade manual eram requisitos essenciais. As obras de Duchamp, muitas vezes carregadas de teor satírico, forçaram o público e a crítica a uma profunda reflexão.

Waldo Bravo expressa uma admiração profunda por Duchamp, considerando-o “o artista mais importante de toda a história da arte, ou, pelo menos, o mais relevante dos séculos 20 e 21”. Para Bravo, a contribuição mais significativa de Duchamp foi a de obrigar as pessoas a pensar sobre a arte para além de sua dimensão puramente estética, expandindo os limites da compreensão artística para o campo da ideia e do conceito. Essa perspectiva é o ponto de partida para a exposição “Duchamp Revisitado”, onde Bravo se apropria desses ícones duchampianos, revisitando-os em um contexto contemporâneo e incorporando-os ao seu estilo de produção, estabelecendo um diálogo entre passado e presente.

Diálogo entre épocas: apropriação e estilo próprio

Obras duchampianas sob nova ótica
Na exposição “Duchamp Revisitado”, Waldo Bravo oferece uma nova camada interpretativa a algumas das obras mais icônicas de Marcel Duchamp. Um exemplo notável é a digigrafia “E105”, onde o célebre “ready-made” “A Fonte” (1917) — um mictório de porcelana assinado com o pseudônimo “R.Mutt” — é reproduzido repetidamente e em uma vibrante paleta de cores. Bravo explica o impacto da obra original de Duchamp: “Nessa obra de Duchamp, ele questionou a relevância do fazer artístico. A peça foi comprada em alguma loja de material de construção e foi colocada em um pedestal dentro de uma galeria. Ao fazer isso, a obra foi elevada ao status de arte.” O gesto de Duchamp, ao não tocar fisicamente na peça, questionava a necessidade da “mão do artista”, um debate fundamental sobre a autoria e o valor da arte que Bravo agora reencena visualmente.

Outra peça instigante é o quadro “E47b”, que reinterpreta a “Roda de Bicicleta” (1913) de Duchamp. No lugar da roda original, Bravo insere um ovo frito, criando uma justaposição inusitada. O propósito não é apenas recontextualizar a obra, mas modificá-la de forma a provocar novas interpretações no observador, adicionando um elemento de familiaridade e estranhamento. Da mesma forma, na pintura “B81”, Bravo aborda o “Secador de Garrafas” (1914), mas com uma intervenção poética: ele cola flores de seda nas extremidades do objeto. Essas transformações buscam desmistificar a obra de Duchamp, tornando-a mais acessível e convidativa. Como o próprio artista chileno afirma, “o legado de Duchamp, historicamente, sempre fica restrito a minorias intelectualizadas e longe do grande público. A exposição busca, de certa forma, aproximar seu pensamento das massas com uma abordagem mais informal, mais descontraída e mais divertida.”

A fusão de signos e a antropofagia artística
A assinatura artística de Waldo Bravo é evidente na maioria das obras da exposição, onde se encontram signos de sua série anterior, “Auto-apropriações: Arqueologia da Pintura” (2015-2018), também conhecida como “Signografia arqueo-urbana”. Nessa série, Bravo estabelece um diálogo com os signos da história da arte, especialmente a arte rupestre e o grafite urbano, criando figuras recorrentes como um círculo com um “x” no centro ou duas linhas paralelas com riscos perpendiculares que evocam uma escada. O crítico Paulo Klein, que acompanha a trajetória de Bravo, teoriza sobre a origem desses signos, sugerindo que o envolvimento do artista com a arqueologia chilena na infância e o impacto do grafite brasileiro nos anos 1980 podem ter culminado na criação de seu próprio repertório simbólico. Bravo, no entanto, descreve o processo como natural e não premeditado.

Na exposição “Duchamp Revisitado”, Bravo leva essa exploração de signos a um novo patamar, repetindo os ícones de Duchamp incessantemente, transformando-os em símbolos que, por sua vez, são misturados aos seus próprios. O painel “B78” é um exemplo claro dessa fusão: o fundo é preenchido com o estilo característico do chileno, produzido com serigrafia sobre papel em tons de laranja e azul-escuro. Sobre ele, as três obras duchampianas anteriormente mencionadas (“A Fonte”, “Roda de Bicicleta” e “Secador de Garrafas”) são pintadas em tinta acrílica. Essa superposição evidencia o conceito de antropofagia que permeia o trabalho de Bravo. “No sentido de canibalismo mesmo”, explica o artista, “eu me alimento do trabalho duchampiano para criar coisas novas, a arte se alimenta da arte”. Esse processo não apenas homenageia Duchamp, mas também estende seu legado, mostrando como a arte pode ser uma conversa contínua entre criadores e gerações.

Um artista em constante transformação
Waldo Bravo, nascido no Chile em 1960, trilhou um caminho artístico singular. Embora tenha tido contato com a arte desde a infância, sua carreira profissional decolou após sua mudança para o Brasil em 1981. Desde então, sua obra tem sido apresentada em galerias e museus ao redor do mundo, com um currículo que inclui doze exposições individuais, quatro participações em Bienais e inúmeras exposições coletivas. Sua primeira colaboração com a Universidade de São Paulo ocorreu em 2010, no Museu de Arte Contemporânea da USP (MAC-USP), marcando o início de uma frutífera relação com a instituição.

Além de sua prolífica produção artística, Bravo atua como curador e orientador do grupo de artistas “Contempoarte”, que teve uma mostra, “Artmosfera”, na Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin (BBM) em agosto de 2025. Foi nessa ocasião que o artista chileno descobriu e se encantou pelo espaço da Sala BNDES. “Um espaço muito bacana, bem estruturado, amplo, fiquei com vontade de fazer uma exposição minha”, ele relata. A proposta foi enviada e o projeto de “Duchamp Revisitado” foi prontamente acolhido, um desfecho que o deixou “muito feliz”. A exposição é, portanto, não apenas uma celebração da arte de Duchamp e Bravo, mas também do encontro entre um artista e um espaço que o inspirou profundamente. Ela reforça a importância de instituições como a BBM na promoção do diálogo cultural e artístico, tornando obras e ideias complexas acessíveis a um público amplo e diversificado.

Perguntas frequentes sobre “Duchamp Revisitado”

Qual o período da exposição “Duchamp Revisitado”?
A exposição “Duchamp Revisitado” está em cartaz até o dia 25 de fevereiro.

Onde a exposição “Duchamp Revisitado” está localizada e qual o custo da entrada?
A mostra acontece na Biblioteca Brasiliana Guita e José Mindlin (BBM) da USP, localizada na Rua da Biblioteca, 21, Cidade Universitária, em São Paulo. A entrada é gratuita e não é necessário agendamento prévio.

Quem é Waldo Bravo e qual sua relação com Marcel Duchamp na mostra?
Waldo Bravo é um artista chileno radicado no Brasil, que nesta exposição revisita e se apropria de ícones do vanguardista Marcel Duchamp. Ele oferece novas interpretações das obras de Duchamp, misturando-as com seu próprio estilo e signos.

Qual o conceito central da exposição de Waldo Bravo?
O conceito central é a “antropofagia artística”, onde a arte se alimenta da própria arte. Bravo se apropria das obras de Duchamp para criar novas peças, propondo um diálogo contemporâneo e lúdico com o legado do artista conceitual, buscando aproximá-lo do grande público.

Não perca a oportunidade de explorar esta fascinante reinterpretação da arte moderna. Visite “Duchamp Revisitado” e mergulhe em um diálogo artístico atemporal.

Fonte: https://www.agenciasp.sp.gov.br

A postagem Waldo Bravo revisita Marcel Duchamp em Exposição que instiga reflexão apareceu primeiro em Jornal Digital da Região Oeste.

A ameaça dos resíduos marinhos para a vida e a saúde

A presença de lixo nas praias vai muito além de uma questão estética. Os resíduos, particularmente plásticos, vidros e metais, representam uma série de perigos tanto para a vida selvagem quanto para a saúde humana. Esses materiais não se decompõem rapidamente, persistindo no ambiente por centenas de anos e causando impactos duradouros. O aumento da quantidade de lixo nas praias de Salvador, especialmente em áreas como o Rio Vermelho, reflete uma necessidade urgente de intervenção e conscientização.

Impacto devastador na fauna marinha

Para a fauna marinha, o lixo depositado nas praias e levado pelo mar é uma sentença de morte em muitos casos. Animais como tartarugas marinhas frequentemente confundem sacolas plásticas e outros detritos com alimentos, ingerindo-os e sofrendo de bloqueios intestinais que podem ser fatais. A ingestão de microplásticos, fragmentos menores de plástico, também afeta diversas espécies, entrando na cadeia alimentar e potencialmente chegando aos seres humanos.

Além da ingestão, o enredamento é outra ameaça grave. Linhas de pesca abandonadas, redes descartadas e até anéis de embalagens de garrafas podem prender pássaros marinhos, peixes e mamíferos aquáticos, levando à asfixia, ferimentos graves, amputações e, por fim, à morte por inanição ou infecção. Muitos animais sofrem lesões perfurantes ou cortantes por vidros quebrados ou pedaços de metal enferrujado, aumentando sua vulnerabilidade a predadores e doenças. Esse material descartado impacta diretamente a biodiversidade marinha, desequilibrando ecossistemas inteiros e diminuindo a população de espécies cruciais para a saúde dos oceanos.

Riscos à saúde humana e ao ambiente urbano

A presença abundante de resíduos nas praias também oferece riscos significativos para os frequentadores e para o ambiente urbano adjacente. Ao caminhar pela areia repleta de detritos, as pessoas estão sujeitas a acidentes. Espetos de churrasco de madeira ou metal, cacos de vidro, latas enferrujadas e outros objetos pontiagudos representam um perigo constante de cortes e perfurações, que podem resultar em infecções graves.

Adicionalmente, grandes volumes de lixo orgânico e inorgânico criam um ambiente propício para a proliferação de pragas urbanas, como ratos e baratas. Esses vetores são conhecidos por carregar e transmitir diversas doenças, aumentando o risco de problemas de saúde pública para moradores e turistas. A má qualidade da água, resultante da lixiviação de substâncias tóxicas dos resíduos e da proliferação bacteriana, pode causar doenças de pele, gastrointestinais e respiratórias em banhistas. O acúmulo de lixo, portanto, não apenas desvaloriza a beleza natural das praias, mas também as transforma em locais insalubres e perigosos.

Mobilização comunitária e arte para a conscientização ambiental

Diante da complexidade do problema, a solução exige uma abordagem multifacetada que combine a ação prática de limpeza com a educação e o engajamento comunitário. O mutirão na praia do Rio Vermelho é um exemplo claro de como a mobilização pode fazer a diferença, transformando um local degradado e perigoso em um espaço mais seguro e limpo, ao mesmo tempo em que se semeia a semente da conscientização.

Voluntariado, reciclagem e engajamento local

A iniciativa de limpeza no Rio Vermelho vai além da simples remoção de lixo. Ela promove a participação direta da comunidade, convocando voluntários de todas as idades, incluindo jovens e pescadores locais, que possuem um conhecimento intrínseco e uma dependência direta do oceano. Essa participação ativa não apenas garante a força de trabalho necessária para a coleta, mas também fortalece o senso de pertencimento e responsabilidade coletiva.

Durante o mutirão, os participantes não apenas coletam os resíduos, mas também os separam para reciclagem. Essa etapa é crucial, pois valoriza o material que seria descartado, encaminhando-o para o processo de reuso e reduzindo a quantidade de lixo destinada a aterros. A ação de selecionar o lixo na fonte serve como uma valiosa lição prática sobre a importância da coleta seletiva e do descarte correto, educando os voluntários sobre o potencial de transformação do que é considerado “lixo”. A experiência direta no campo cria uma conexão mais profunda com a causa ambiental, incentivando práticas sustentáveis no dia a dia dos participantes.

A arte como ferramenta de ressignificação e reflexão

Um componente inovador e poderoso do mutirão de limpeza na praia do Rio Vermelho é a integração da arte como ferramenta de conscientização. Parte significativa do material recolhido na areia ganha um novo propósito ao ser transformado em obra de arte. O artista André Fernandes é o responsável por essa transformação, criando esculturas a partir dos detritos que antes poluíam a praia.

Essas esculturas, que ficaram expostas ao público nos dias 1 e 2 de fevereiro, servem como um potente símbolo de ressignificação. A mensagem principal é que um material que estava causando impacto ambiental e social negativo pode ser transmutado em algo belo e significativo. Ao ver o lixo se converter em arte, o público é provocado a refletir sobre o uso que fazemos dos recursos, a quantidade de resíduos que geramos e as possibilidades de reutilização criativa. A arte, nesse contexto, não é apenas um adorno, mas um veículo para o debate, a reflexão e a mudança de comportamento, demonstrando que é possível encontrar outros usos para aquilo que consideramos descartável, transformando a problemática do lixo em uma oportunidade para a criatividade e a conscientização ambiental.

Conclusão

O mutirão de limpeza na praia do Rio Vermelho representa um esforço vital para combater a poluição e proteger os ecossistemas costeiros de Salvador. Mais do que uma simples remoção de lixo, a iniciativa combina ação prática, educação ambiental e engajamento comunitário, demonstrando a importância da colaboração para enfrentar desafios ambientais complexos. Ao mobilizar voluntários, pescadores e jovens, e ao utilizar a arte como ferramenta de reflexão, o projeto busca não apenas limpar a praia, mas também inspirar uma mudança de comportamento duradoura e uma maior conscientização sobre a responsabilidade de cada um na preservação do nosso meio ambiente.

Perguntas Frequentes

Por que a limpeza da praia é tão importante?
A limpeza da praia é crucial para proteger a fauna marinha de ingestão e enredamento, mitigar riscos à saúde humana (como cortes e doenças), e preservar a beleza natural e a qualidade ambiental dos ecossistemas costeiros.

Quem pode participar de mutirões de limpeza?
Geralmente, a participação é aberta ao público em geral, incluindo voluntários, moradores locais, pescadores e jovens. A maioria dos eventos busca engajar o máximo de pessoas para fortalecer o senso de comunidade e responsabilidade.

O que acontece com o lixo recolhido nas ações de limpeza?
O lixo recolhido é frequentemente selecionado e separado para reciclagem. Uma parte dele pode ser transformada em obras de arte para fins educativos, enquanto o restante é descartado de forma apropriada, como em aterros sanitários.

Engaje-se ativamente na proteção das nossas praias e ajude a construir um futuro mais limpo e saudável para todos.

Fonte: https://agenciabrasil.ebc.com.br

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O programa Dragão Nazárea e seu impacto cultural

A gênese e a proposta do Nazárea
O programa Dragão Nazárea nasceu da necessidade de valorizar e integrar a efervescência cultural das comunidades que gravitam em torno do Centro Dragão do Mar. A expressão “Nazárea”, profundamente enraizada no linguajar local, carrega consigo o significado de pertencimento e o reconhecimento da força criativa daqueles que habitam o entorno do Centro Cultural. É mais do que um nome; é uma declaração de identidade e um tributo à potência da produção artística vinda das periferias de Fortaleza.

Com um público-alvo focado em jovens, artistas e moradores dessas regiões, o Nazárea não é apenas um evento, mas uma plataforma contínua. Seu objetivo primordial é catalisar a visibilidade de talentos que, muitas vezes, permanecem à margem dos circuitos culturais tradicionais. Ao gerar circulação para esses artistas e suas obras, o programa não só os conecta com um público mais amplo, mas também impulsiona a economia criativa, oferecendo novas oportunidades de renda e desenvolvimento profissional. A arte de rua, em suas diversas formas, é a ferramenta escolhida para essa ocupação territorial simbólica, transformando muros e espaços públicos em galerias a céu aberto e palco para a expressão comunitária. A iniciativa busca romper barreiras e construir pontes, evidenciando que a cultura e a arte são elementos intrínsecos à vida comunitária e essenciais para o desenvolvimento social e econômico.

A primeira edição no Moura Brasil
A estreia do projeto Dragão Nazárea marcou o bairro Moura Brasil como o ponto de partida dessa jornada cultural, transformando suas ruas em um vibrante centro de expressão artística. A manhã teve início com um acolhedor café comunitário, um momento de confraternização que reuniu moradores, artistas e entusiastas, estabelecendo um ambiente de união e expectativa para o dia de intensas atividades. Em seguida, o foco se voltou para um imponente mural de aproximadamente 50 metros de extensão. Sob a coordenação de dez artistas visuais de renome local, o muro começou a ganhar vida com cores e formas, refletindo a rica tapeçaria cultural da comunidade. Cada pincelada representava não apenas um traço artístico, mas uma narrativa, uma história sendo contada na pele da cidade.

No período da tarde, a energia do evento se intensificou com um “grafitaço” coletivo. Artistas urbanos assumiram o comando, convidando o público a participar ativamente da criação. Munidos de tintas e materiais extras disponibilizados, os presentes tiveram a liberdade de intervir espontaneamente nos trechos disponíveis do muro, transformando a arte em uma experiência colaborativa e democrática. Os ritmos pulsantes dos DJs Nayma e Maze embalaram o processo criativo, proporcionando uma trilha sonora envolvente que acompanhou cada spray e cada pincelada, solidificando a atmosfera de celebração e efervescência artística.

Às 16h, o evento culminou com um bate-papo instigante mediado por Camila Oliveira, figura proeminente da cena urbana. Ao lado de convidados que são referências na arte de rua, o debate aprofundou-se em temas como o grafite, o pixo e o protagonismo territorial da arte. Foi um momento crucial para refletir sobre a importância dessas manifestações artísticas como ferramentas de expressão, resistência e identidade cultural, reiterando a visão do Dragão Nazárea de que a arte de rua é, acima de tudo, uma poderosa forma de ocupação e afirmação territorial.

O Núcleo de Articulação Territorial e seu papel social

A criação e a missão do Núcleo
O Núcleo de Articulação Territorial, uma iniciativa vital do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura, foi estabelecido em 2023 com um propósito claro e transformador. Longe de ser apenas uma unidade administrativa, o Núcleo foi concebido como um espaço dinâmico de escuta ativa e cuidado contínuo. Sua missão central é fomentar um diálogo bidirecional e fortalecer os laços entre a grandiosa instituição cultural e os territórios que a circundam – comunidades como Moura Brasil, Poço do Dragão e Graviola. Estes bairros, muitas vezes relegados ou estereotipados, são reconhecidos pelo Núcleo como celeiros de talentos, histórias e necessidades específicas. A criação do Núcleo reflete um compromisso institucional com a inclusão e a equidade, buscando desmistificar a percepção de que grandes centros culturais são inacessíveis ou distantes das realidades cotidianas de seus vizinhos. Ao invés disso, o Núcleo se propõe a ser uma ponte, um elo de conexão que garante que a cultura do Dragão do Mar não apenas chegue às periferias, mas seja co-criada e nutrida por elas.

Estratégias e impacto comunitário
Para cumprir sua ambiciosa missão, o Núcleo de Articulação Territorial adota uma série de estratégias integradas, que vão muito além da mera oferta de eventos culturais. Sua atuação é focada na garantia de direitos e serviços essenciais para pessoas em situação de vulnerabilidade, reconhecendo que a arte e a cultura são indissociáveis do bem-estar social. Isso se manifesta através de programas que promovem o diálogo, a escuta ativa das demandas comunitárias e o fortalecimento do tecido social a partir do protagonismo dos próprios moradores. O Núcleo atua como um facilitador, capacitando líderes locais e incentivando a auto-organização, para que as comunidades possam ser as arquitetas de seu próprio desenvolvimento cultural e social.

A integração dessas estratégias à programação cultural do Centro Dragão do Mar garante que o impacto seja profundo e duradouro. Não se trata apenas de levar arte para as periferias, mas de construir a arte com as periferias, transformando as comunidades em parceiras ativas e protagonistas de sua própria narrativa cultural. Este modelo de atuação não só enriquece a oferta cultural do estado, mas também contribui significativamente para a redução das desigualdades sociais, promovendo a cidadania e o acesso à cultura como um direito fundamental. O impacto comunitário é tangível: aumento da autoestima, empoderamento de indivíduos e grupos, e a criação de redes de solidariedade e colaboração que transcendem os eventos pontuais, construindo um legado de resiliência e efervescência criativa.

A expansão do programa
O sucesso da primeira edição do Dragão Nazárea no Moura Brasil é apenas o início de uma jornada promissora. O Núcleo de Articulação Territorial já delineou planos para expandir o programa, levando a energia e a proposta do Nazárea para outros bairros e comunidades da Região Metropolitana de Fortaleza nos próximos meses. Essa expansão demonstra o compromisso do Centro Dragão do Mar em democratizar o acesso à cultura e em fortalecer o protagonismo das periferias em uma escala mais ampla, solidificando a arte de rua como um vetor de transformação e ocupação territorial em toda a capital cearense. A visão é construir uma rede vibrante de expressões artísticas que conecte e empodere um número crescente de comunidades.

A arte de rua como catalisador social em Fortaleza

O programa Dragão Nazárea e o Núcleo de Articulação Territorial representam um marco significativo na política cultural de Fortaleza e do Ceará. Ao posicionar a arte de rua não apenas como uma forma de expressão estética, mas como uma poderosa ferramenta de ocupação territorial e inclusão social, o Centro Dragão do Mar reafirma seu compromisso com a democratização da cultura. A iniciativa não só valoriza os talentos das periferias, mas também atua na garantia de direitos e no fortalecimento comunitário, construindo um futuro onde a cultura é um direito acessível e um motor de desenvolvimento para todos. A proposta de expansão do programa para outros bairros nos próximos meses sublinha a visão de longo prazo e o impacto transformador que o Nazárea pretende deixar no panorama cultural e social de Fortaleza.

Perguntas frequentes (FAQ)

1. O que é o programa Dragão Nazárea?
O Dragão Nazárea é um programa cultural do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura, em Fortaleza, que utiliza a arte de rua para fortalecer o protagonismo das periferias. Ele busca valorizar talentos locais, gerar visibilidade para artistas e impulsionar a economia criativa nas comunidades.

2. Quem pode participar ou se beneficiar do Dragão Nazárea?
O público-alvo são jovens, artistas e moradores das periferias de Fortaleza. As atividades são pensadas para engajar a comunidade, oferecendo desde oportunidades de expressão artística até debates sobre a cultura urbana e formas de fortalecimento territorial.

3. Qual o papel do Núcleo de Articulação Territorial nesta iniciativa?
O Núcleo de Articulação Territorial, criado em 2023, é o responsável pela idealização e execução do Dragão Nazárea. Ele atua como uma ponte entre o Centro Dragão do Mar e as comunidades vizinhas, promovendo diálogo, escuta ativa e garantindo direitos e serviços para pessoas em situação de vulnerabilidade, sempre com foco no protagonismo dos moradores.

4. Como posso acompanhar as próximas edições do programa?
As informações sobre as próximas edições e os bairros que receberão o Dragão Nazárea são divulgadas nas redes sociais e canais de comunicação do Centro Dragão do Mar de Arte e Cultura.

Se você se inspira na arte que transforma e na cultura que conecta, junte-se ao movimento Dragão Nazárea e descubra como a criatividade das periferias está redefinindo o cenário urbano de Fortaleza. Acompanhe as próximas ações e seja parte dessa revolução cultural!

Fonte: https://agenciabrasil.ebc.com.br

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Celebrando o Mês da Pessoa com Deficiência, o Shopping União de Osasco, um dos destinos de compras mais completos da região oeste de São Paulo, recebe a exposição “Identidade”, que acontece até dia 28 de setembro, das 10h às 22h.  Porque a mostra é resultado do trabalho realizado pelo CER II – Dr. Edmundo Campanha Burjato e suas atividades terapêuticas, como oficinas de artesanato e meio ambiente e busca apresentar a desconstrução do capacitismo, promover a inclusão e valorizar a criatividade de cada participante.

Portanto, apresentar esses projetos ao público tem como ideia principal romper com o estigma de que a pessoa com deficiência não está apta a se expressar por meio da arte, evidenciando seu protagonismo, capacidade artística e valor produtivo para a sociedade.

Mas as obras foram desenvolvidas dentro dos fundamentos do expressionismo, primeiro movimento artístico que focou na subjetividade e na expressão emocional do ser humano. Pensando nisso, os artistas não eram obrigados a usar pincéis, permitindo manifestação mais livre dos sentimentos e particularidades de cada um.

A arte é uma linguagem de comunicação e autoexpressão universal poderosa, que não deve ser limitada pela condição física ou intelectual. Eentão, esse caminho promove o desenvolvimento cognitivo, biopsicossocial e cultural da pessoa com deficiência, reafirmando o poder transformador da inclusão pela arte.

Serviço

Exposição Identidade – Shopping União de Osasco

Local: Piso Voegeli – Entrada Gratuita

Data: 20 a 26 de setembro

Horário: das 10h às 22h e domingo, das 14h às 20h.

Endereço: Av. dos Autonomistas, 1400 – Vila Yara, Osasco – Piso Avenida

Para mais informações acesse: www.shoppinguniao.com.br

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O Tribunal Regional Eleitoral de São Paulo (TRE-SP) lançou nesta quarta-feira (10) o documentário “A Verdade das Urnas: Justiça Eleitoral no Combate à Desinformação”, produzido em parceria entre a Secretaria de Gestão da Informação e Documental (Sgid) e a Secretaria de Comunicação Social (Secom). A obra é uma produção audiovisual que alia a preservação da memória político-eleitoral ao compromisso da Justiça Eleitoral em enfrentar a desinformação por meio da comunicação estratégica. Além disso, o documentário também reflete o esforço de diferentes áreas do TRE-SP na defesa da credibilidade do processo eleitoral.

A solenidade coincidiu com uma data histórica: os 80 anos da reinstalação da Justiça Eleitoral, em 1945, após oito anos de interrupção do seu funcionamento durante o Estado Novo.

Na abertura, o corregedor regional eleitoral e vice-presidente do TRE-SP, desembargador José Antônio Encinas Manfré, representando o presidente da Corte, desembargador Silmar Fernandes, destacou que o evento não celebrava apenas a tecnologia e a segurança das urnas, mas também a história, a dedicação e o trabalho coletivo que sustentam a confiança nas eleições. Ele enfatizou que a democracia “é feita de pessoas, estratégia, tecnologia e memória”.

Em seguida, o diretor-geral do Tribunal, Claucio Corrêa, saudou os presentes, destacando o lançamento do documentário como parte da celebração, em 2025, dos 80 anos de restauração da Justiça Eleitoral. “É uma oportunidade única de deixarmos um registro para a memória de todos, de toda a sociedade, não só paulista, mas brasileira, do trabalho que o nosso Tribunal desempenhou combatendo a desinformação e reafirmando o seu papel dentro do processo democrático.”

O curador da memória institucional do TRE-SP, José D’Amico Bauab, ressaltou a relevância do projeto como instrumento de preservação histórica e de enfrentamento à desinformação. “Nós, no Centro de Memória Eleitoral do TRE paulista, professamos uma memória mais militante que contemplativa, levantamos a bandeira do pragmático memorialismo. Porque, contando a história das eleições, afirmamos e reafirmamos a importância da democracia como um valor inegociável, absolutamente intransigível. E nesse sentido também o documentário ‘A Verdade das Urnas’ se coloca como uma vacina eficaz.”

Como parte da programação, foi realizada uma roda de conversa com alguns dos participantes do documentário: o ex-presidente do TRE-SP durante as Eleições 2022, desembargador Paulo Galízia; o juiz substituto da Corte Diogo Rais, especialista em direito digital; a ex-secretária de Comunicação do TRE-SP Eliana Passarelli; e os secretários de Tecnologia da Informação, Daniel Forlivesi, e de Planejamento Estratégico e de Eleições, Regina Rufino.

A secretária de Planejamento Estratégico e de Eleições, Regina Rufino, declarou que o momento é de reafirmação do compromisso com a democracia e falou sobre a nova postura de trabalho na organização das eleições desde os ataques de 2018. “De lá para cá, temos atuado no sentido de nos preparar, de antever os problemas, de enfrentar toda e qualquer notícia negativa e transformar isso numa oportunidade de crescimento, de melhoria no nosso próprio serviço.”

O secretário de Tecnologia da Informação, Daniel Forlivesi, ressaltou a evolução da urna a cada pleito, desde o início do sistema eletrônico de votação. “A urna evolui a cada ano, a cada eleição, do ponto de vista da segurança. Acho que talvez o conceito mais simples é um dos mais garantidores, ela não está conectada à internet. Ela também é auditável antes da eleição, do dia da própria eleição e após a eleição.”

O membro substituto do TRE-SP Diogo Rais, pesquisador do tema internet e eleições, destacou suas impressões sobre a urna eletrônica após experiência a convite do Tribunal Superior Eleitoral (TSE) ainda em 2017. “Eu fiquei impressionado com a qualidade, a sofisticação e, ao mesmo tempo, por outro lado, a simplicidade da urna”, disse. Destacou ainda que a intenção por trás do ataque às urnas é de fraude. “Talvez a gente parte lá da ideia inicial de fake news como mentira, mas talvez aqui a gente esteja diante de algo muito maior, algo que eu tenho traduzido como notícias fraudulentas por entender que a fraude é objeto desse processo.”

Presidente do TRE-SP no biênio 2022-2023, o desembargador Paulo Galizia, que também participa do documentário como uma das personagens entrevistadas, fez um pedido ao público. “Que vocês prestem atenção no documentário e que verifiquem a força da Justiça Eleitoral em absorver o golpe e mudar a sua postura humildemente, no sentido de ter uma postura de esclarecimento, de educação e sobretudo de defesa. Todos vocês, todos nós, eu diria, que trabalhamos na Justiça Eleitoral, sabemos qual é a verdade das urnas. A verdade das urnas é tirar delas a vontade do eleitor.”

Secretária de Comunicação Social do TRE-SP à época do início da produção do documentário, Eliana Passarelli destacou a excelência da Justiça Eleitoral e do seu quadro. “Mais uma vez, as servidoras e servidores do TRE-SP demonstraram a sua capacidade e talento para iniciativas especiais. Este documentário que estamos discutindo hoje é de extrema importância, porque ele é um registro da memória eleitoral coletiva sobre fatos que impactaram a Justiça Eleitoral a partir de 2018 e provocaram uma mudança de paradigma. Esse filme vai contribuir sobremaneira para que se compreenda como a desinformação pode ser deletéria para a sociedade.”

No encerramento do evento, o desembargador José Antônio Encinas Manfré destacou em seu discurso que a democracia, assim como a arte, é um esforço coletivo. Ele destacou que “o documentário tem muito de cronologia e de relevância, e isso muito honra o nosso Tribunal, que continua confiante. Se nós continuaremos a ter muitos desafios e surpresas, também estamos sempre nos preparando para isso.”
Para complementar a experiência, os convidados puderam visitar a exposição “Verdades Eletrônicas: Saiba Tudo sobre a Segurança da Urna”, que esteve em exibição durante o período eleitoral de 2024 e foi reaberta no saguão do Tribunal. O espaço apresenta seis modelos de urnas eletrônicas e detalha as mais de 30 camadas de segurança que protegem o sistema de votação brasileiro.
O evento também contou com a presença do juiz do TRE-SP Claudio José Langroiva Pereira, da juíza substituta da Corte Danyelle Galvão e do juiz de direito do TJSP e coordenador da Comissão de Gestão da Memória do TRE-SP, Carlos Alexandre Böttcher.

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A maior exposição de arte contemporânea do Hemisfério Sul está de volta, a 36ª Bienal de São Paulo abre suas portas no Pavilhão Ciccillo Matarazzo, no Parque Ibirapuera, e segue até 11 de janeiro de 2026 com entrada gratuita.

Com o título “Nem todo viandante anda estradas – Da humanidade como prática”, inspirado em um poema de Conceição Evaristo, a mostra convida o público a mergulhar em reflexões sobre humanidade, natureza e escuta.

Nesta edição, serão 120 artistas de diversas partes do mundo ocupando o Pavilhão da Bienal e outros cinco na Casa do Povo, no centro de São Paulo. Entre os destaques brasileiros estão nomes como Maxwell Alexandre, Lídia Lisbôa, Maria Auxiliadora e Gê Viana, ao lado de grandes nomes internacionais como Wolfgang Tillmans, Otobong Nkanga e Oscar Murillo.

O público vai encontrar obras em linguagens variadas, da performance ao vídeo, da pintura às práticas comunitárias em uma proposta que se inspira nos fluxos migratórios das aves e nas águas que conectam culturas.

Além de reunir artistas potentes, a 36ª Bienal marca história já que é a primeira vez em 70 anos que a Fundação Bienal é liderada por uma mulher, Andrea Pinheiro, ao lado de Maguy Etlin. E para ampliar o acesso, a edição terá a duração inédita de quatro meses, com uma programação educativa paralela que promete transformar a visita em uma experiência ainda mais rica.

Uma oportunidade única de ver a arte global em diálogo direto com os desafios e esperanças do nosso tempo.

Vale a pena conferir!

36ª Bienal de São Paulo

Quando: Até 11 de Janeiro de 2026 – Terça, quarta, quinta, sexta e domingo, das 10h às 18h. (última entrada às 17h30)
Sábado, das 10h às 19h.
(última entrada às 18h30)

Quanto: Grátis

Onde: Fundação Bienal de São Paulo – Avenida Pedro Álvares Cabral – Ibirapuera – SP

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